Oír y pensar la música en el siglo XX. Un ensayo de Filosofía de la Música

Este ensayo parte de los conceptos de obra abierta y de obra en movimiento (work in progress), como nuevas características de las obras musicales y en general de las artes del siglo XX.
En él, se defiende el discurso propio de la estética que no puede ser sustituido por otros como el histórico, el sociológico o el psicológico, aunque mantenga una estrecha relación con ellos. Desde este punto de vista, sostiene la idea de que la experiencia de la recepción de la obra de arte es un aspecto esencial de las estéticas del siglo XX, y en concreto, de las composiciones musicales más vanguardistas de este siglo, en su escucha e interpretación. Pero, sobre todo, muestra cómo hay una relación directa entre el pensamiento filosófico y la música de nuestro mundo occidental, destacando como hecho diferenciador de la obra en el siglo XX, su apertura hacia múltiples sentidos, es decir, su carácter de polisenso.
El procedimiento seguido ha consistido en ir mostrando los distintos planteamientos del pensamiento occidental en torno a la música en diferentes momentos históricos, que han girado en torno a las siguientes cuestiones: la autonomía, la historicidad, la normatividad, la capacidad representativa o simbólica y la recepción. Este análisis nos permite observar cómo cada uno de esos planteamientos ha sido defendido o criticado siempre en consonancia con el tipo de música propio de su momento histórico.
De este modo, se pone de relieve que, a diferencia de lo que ha ocurrido en épocas anteriores, en las que se ha ofrecido una comprensión definida y una significación determinada de la música que excluía a cualquier otra, el nuevo pensamiento estético del siglo XX defiende y justifica una visión compleja y múltiple de la música. Pero, además, una de las aportaciones principales de este ensayo es su contribución a la hora de comprender que la nueva manera pluridimensional de entender la obra de arte musical es una realidad que ha sobrevenido a través de la transformación de los antiguos conceptos estéticos.

CONTENIDO:

INDICE
I.INTRODUCCIÓN
II. AUTONOMIA E HISTORICISMO EN LA OBRA MUSICAL
1. Los orígenes
1.1 Lo racional y lo sentimental en la música
1.2 La autonomía de la percepción y el origen de la Estética
1.3 La música, un arte independiente del mundo fenoménico

2. La autonomía moderna en la dialéctica negativa: T. Adorno y Luis de Pablo
2.1 La posición del artista frente a la sociedad
2.2 El carácter procesual de la obra de arte

3. La autonomía en la perspectiva historicista
3.1. El respeto al enfoque estético de C. Dahlhaus
3.2. Una autonomía relativa: Della Volpe y Busoni
3.3. El punto de vista histórico como condición determinante de la obra en Danto

4. La negación de la obra musical como patrón de belleza en el siglo XX
4.1. N. Cook y la música de Satie

LA NORMATIVIDAD ESTÉTICA EN LA MÚSICA
1. Los juicios estéticos en la música y la estructura de la subjetividad.
1.1. La universalidad del sentido del gusto: Kant, Debussy y Stravinski
1.2. Una estructura universal que provoca la emoción según L. Meyer

2. Normas relacionadas con las "formas de vida"
2.1. Las normas de la música y los usos del lenguaje de L. Wittgenstein

3. Naturaleza musical universal y pluralidad cultural en J. Blacking ...
3.1 Las reglas de la música y su relación con la experiencia humana
3.2 Necesidad de un discurso no verbal en el análisis de la música

4. Las leyes estocásticas en Jean Xenakis

IV MÚSICA COMO LENGUAJE EXPRESIVO 119
1. El código emotivo de la música occidental 121
1.1. De la teoría de los afectos a la expresión 121
1.2. La expresividad musical en el siglo XX, según Peter Kivy 128

2. El expressivo inexpresivo de Vladimir Jankélévitch 136
2.1. La reacción frente a la expresividad romántica 136
2.2. La ambigüedad del sentido 145

3. Los efectos psicosomáticos y la elaboración de patrones: Anthony Storr y Maureen MacCarthy Draper

4. La cuestión moral: De Platón a Nietzsche, Paul Klee y Pascal Quignard
4.1 Entre la desmoralización y la exaltación de la vida
4.2 La negación de la función salvífica del arte

V. MÚSICA COMO LENGUAJE MÁS ALLÁ DE LA REPRESENTACIÓN
1. Un nuevo paradigma estético-musical a partir de finales del siglo XVIII
1.1. La música absoluta según Dahlhaus
1.2. Una estética de lo específico musical: el formalismo

2. La música como símbolo
2.1 La forma lógica de la representación: Cassirer, Wittgenstein y Langer
2.2. El contenido simbólico emocional de la música en S. K. Langer

3. La música como signo artístico con una función estética: J. Mukarovsky
3.1 Un signo con una función estética


VI. LA EXPERIENCIA DE LA RECEPCIÓN.
1. El discurso acerca de la experiencia de lo vivido
1.1. Desde la experiencia corporal de la fenomenología
1.2. La integración de sujeto y objeto, según Johnn Dewey

2. Una multitud de intérpretes en la obra musical
2.1. El modelo tripartito de la semiología de Jean-Jacques Nattiez
2.2. Una escucha crítica: Luigi Nono y Peter Szendy

3. Los intermediarios del objeto musical: Antoine Hennion

4. El azar y la libertad en la composición musical
4.1 Más allá del serialismo: Karlheinz Stockhausen
4.2 La fusión de los sonidos de la vida con los del arte: John Cage

EPILOGO
BIBLIOGRAFÍA